试论西方音乐教学方面的一个核心问题

摘要：西方音承是文化舶来品，尽管有许多前辈总结的教学经验和成果，有现成音像制品可以辅助教学，但这些都是间接的。只有结合创作背景进行教学，才能让学生们对作曲蒙和作品有一个文化和历史上的宏观了解，从而对作品的思想内涵有更好的把握，目前，各音乐学院在教学中依据的基本都是书面材料，而这些书面材料，因为治学和素材来源的限制，矛盾和谬误之处在所难免。笔者在意大利求学半年，经参观教堂等文化遗址，并阅读文化和艺术史等相关书籍，尤其是德国学者斯宾格勒的一句名言：西方文化是人与神对应的产物，使笔者茅塞顿开，在此，把音乐理解提升到以西方文化母题两个的其中一个一一关于结构观念的高度做一试论，论据部分采用横向比较、描述和分析，借以希望对拳来音乐教学有所帮助。

关键词：西方音乐　教学　音乐理解　结构观念

[中图分类号]：C42[文献标识码]：A　[文章编号]：1002-2139(2010)-12-0121-02

一

近代西方文化源头在希腊，古代希腊和罗马给了整个西方世界结构意识，这已经是定论了。最直观的文化成果莫过于建筑，而大多建筑都用于宗教目的。如果说古希腊建筑是西方第一时期有形艺术的话，那么后面的罗马、哥特等等都是源自于此。人常说建筑是凝固的音乐，建筑作为直观的文化表达，其结构可以对应上同时期无形的艺术门类。还以希腊为例，典型的希腊式建筑是立柱、过梁和立面上的三角墙，三角墙中间是英雄和神话故事的浮雕。而古代希腊戏剧是由唱队、主要人物构成。如果说立柱对应主要人物，那么横梁就该是唱队了，而三角墙代表戏剧冲突，其内容大多是人神之争、人抗争命运、爱、权力、阴谋以及生与死，希腊的戏剧是这样，而经典的西方大歌剧不也是如此吗?

从以上例子引申，耐人寻味的是，各个主要建筑流派都能对应音乐上的历史分野，如果说建筑是固态音乐的话，那么音乐就该是流动的建筑了。

以下我们从中世纪。即哥特时代开始逐一对应阐述。

哥特建筑始于12世纪的法国，主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑，尤以巴黎圣母院为代表，其中最为典型的结构是肋状拱、尖券、扶壁系统、高侧窗和尖塔。到了文艺复兴时代，艺术家有明显的复古倾向，因此批评这种建筑怪异、野蛮，像摧毁了古罗马帝国的哥特人兴建的似的。由此这个名字流传下来。这是西方建筑史上非常重要的历史时期。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。而这一时期的音乐也有着明显的“哥特”风格。比如所谓的教会调式(church modes)，或格里高利圣咏调式。它之所以具有超凡脱俗般的声音，部分源自乐曲采用了一些人们不熟悉的音节，另外，节奏是不确定的。这种音乐配合哥特风格的建筑氛围可以说珠联壁合，加上歌词非常简单，给人一种净化、升腾的身心感受。记得在音乐史上，还专门有一个“巴黎圣母院乐派”。在这个时代，宗教音乐与世俗音乐之间，并没有以后的时代中那样大的区分，整体上，它们有着共同的气质，那就是神秘、冥想，如哥特式大教堂一样在着蓄势升腾、不断向上的动态。

文艺复兴是一个伟大的文化时期，这一时期的建筑从结构方面呈现出明显的复古倾向，例如佛罗伦萨的圣母百花教堂，它的立面是一种典型的罗马形制的变种，但是从装饰方面，这个教堂采用的彩色大理石(白色、墨绿和紫色)贴面，整体看上去是对哥特以及以前的天主教那冷冰冰单色建筑装饰的反动。彩色或可以说是对人的回归的喻示。而这一时期的音乐尽管跟中世纪相同，即声乐比器乐重要，但是“文艺复兴时期的人文学者对语言的兴趣以一种新的方式影响着声乐，因此歌词与音乐之间产生了一种特殊的亲密关系。”一位16世纪的音乐理论家约瑟夫，扎礼诺这样写遒：“当歌词表达出哭泣、痛苦、心碎、悲叹、落泪或类似情况时，和声必定充满哀愁。”“与之相比，中世纪作曲家在表达歌词的情感方面的兴趣相对较少。”另外，非常重要的一点，意大利的歌剧起源于这个时期。

“巴洛克”是指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。该词来源于葡萄牙语barroco，就其字面意思，是指一种不规则的珍珠。文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。在建筑、雕塑和绘画上，强调的是动感、戏剧性片段、富丽堂皇的整体氛围。

按照《剑桥艺术史》的说法，巴洛克风格代表的是信仰的复归和胜利。巴洛克时期的艺术家师承的是晚年米开朗基罗，尤以罗马城内的凡提冈的西斯廷小教堂壁画《最后审判》为例，在米开朗基罗笔下的耶稣，一反以往苍白消瘦、一副受难的形象，而是健壮、气势逼人的最高审判者的姿态，他的动作也相当富有戏剧性。巴洛克艺术家们由此获得无上灵感。于是以罗马为中心，演绎了一出动人心魄的艺术盛会。

了解这一时期的艺术，莫过于参观世界第一天主教堂——凡提冈的圣彼得大教堂，这个教堂无论外部结构还是内部装饰都是最典型的巴洛克风格。门口两位使徒一圣彼得和圣保罗的雕像威风凛凛，手持钥匙和剑，似乎要随时进行裁决和护卫；宏伟的圆形广场，按照设计者贝尼尼的解释：“仿佛母亲的臂膀。”巨大的柱廊，布满雕塑的青铜大门，内部彩色大理石地面，一系列夸张动感的雕塑等等。最为引人注目的是祭坛上方标示圣彼得座椅、象征圣灵的鸽子，四周一片金光，被称作贝尼尼的华盖算是极致了，四根螺旋形大柱子支撑的华盖，这四根柱子精雕细刻的纹理，让人不由得联想到同一时期的音乐，仿佛几条交织的旋律线不断升上去，其中的变化可谓有序中孕育着无穷。

巴洛克时期的音乐(1600——1750年)是音符组成的这种动态的雕塑，小到一首赋格曲，大到如巴赫的《马太受难曲》或亨德尔的《弥赛亚》这样的神剧皆是如此。从音乐技术上看，巴洛克时期的音乐在表现动态和戏剧性方面主要体现在对比上：音的高与低；速度的快与慢(快与慢的段落对比或快慢声部间的对比)；力度的强与弱；音色的不同；独奏(唱)与全奏(合唱)等等。这个时期的音乐大多整齐优美，充满活力。活跃而不断反复的节奏、精致且装饰音很多的旋律也是其重要特征。乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。

巴洛克是个伟大的音乐时期，西方近代的主要音乐元素由这一时期奠定，因此音乐史把巴赫成为“音乐之父”，而把亨德尔称作“音乐之母”·如果把他们有形无形的艺术统合起来总结一句话，这个时期的艺术家的目的就是“希望创造出一个结构化的世界。”

洛可可(rococo)一词源自法语rocaille，意为贝壳制品。形象地说，巴洛克过渡到洛可可如同大树变成盆景。巴洛克艺术尽管有呆板的礼仪，有形式上的骄矜和夸张，但它毕竟是一个阳刚的时期。而紧随其后的时期，即洛可可艺术，是大约自路易十四1715

年逝世时开始的，则显得更为讲究，更为矫饰，更为呆板，因而也更为柔弱·可以认为，这个时期的一个标志是18世纪初欧洲瓷器使用的普及。原先，人们一直是用笨重的银制餐具饮食，用大块的石头创作巨大的雕塑，而现在则是用易碎的瓷器来做餐具，也制作小巧玲珑的瓷塑像，从而反映了这个风流时期的精神。在发生原理上，按照美国文明史权威威尔，杜兰特的说法：“娱乐代替了崇高，优美取代了尊贵，而迷人雅致也替换了宏伟与庄严。在一个预期巨变里，少数享乐主义的富豪，希图在那个脆弱的世界消失之前，享尽人间的一切乐趣。洛可可的艺术，即根源于此。在这种坦白而通俗的形式下，线条欢跃着，颜色柔和地伸着，花儿没有了刺。

”这个时期的建筑主要体现在装饰上，以笔者浅见，巴黎郊外的凡尔赛宫和维也纳的美泉宫装饰应该算是典型。无论脚线、窗饰还是宫廷的大门，统而言之，没有一笔是直的，没有一个角僵硬锐气。而这个时期的音乐，没有像巴洛克形成一种独立的风格，如果硬要说有，那就是从巴洛克到古典主义的过渡阶段，有的史书称为“前古典主义”。

洛可可风格是18世纪法国音乐的代表性风格，对古典主义音乐风格产生了重要的影响。古典主义的音乐语言崇尚简洁通俗、柔和明快，它的形成虽然与启蒙运动有着极大的关系，但也明显受到洛可可风格的影响，因其轻柔欢快的一般特征和洛可可音乐的基调是相似的，洛可可摒弃了晚期巴洛克音乐繁复的形式、复杂的复调织体和宏伟壮观的风格，倾向于小巧精致、自然简朴、轻松愉悦。

如果有人从上述得出结论，西方建筑跟音乐流派是完全同步的，那就会流入机械论的案自里。艺术的类比只能是大概的，而非跟数学一样精确。这也符合艺术产生和发展的特有逻辑。比如西方近代建筑，其实在哥特时代就已经基本成形了，而音乐却要等到400年后的巴洛克时代。当发展到以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的古典时代以及浪漫派时期，音乐发展到了它的全盛期，而18--19世界的建筑却很难再找到占压倒优势的风格，而是变成各个国家民族和各种建筑风格的变种。

二

说了这么多，到达笔者教学的重点范畴：什么是歌剧可以把握的直观结构?

从哥特建筑以降，建筑的减力构件是核心结构，它规定了建筑的规模，那么相对应的应该是歌剧故事的矛盾焦点：是人与神或人与人的冲突，还是来自命运的巨大阻力?其次，柱式是建筑的风格精华，它们对应上的是剧中人物；再次，基础构件和装饰代表建筑得以建立的元素并提供了整体氛围，那么，剧词和音乐就是歌剧相对应的基础构件与装饰，最后，色彩可以代表建筑的情感表达，而歌剧属性(例如悲剧、喜剧或正剧)便能与之呼应。在此需要强调的是，在音乐方面跟建筑一样，各个部分是相互依存相互支撵的，绝不可分裂开来看待。

从上述观点看，以笔者浅见，法国作曲家柏辽兹的《特洛伊人》也许是歌剧最为理想的建筑奇观。这部结构庞大的歌剧作于1856—1859年，共五幕，脚本为李斯特当时的恋人维特根斯坦公主根据《埃涅阿斯纪》所作。据说维特根斯坦公主为柏辽兹创作这部歌剧曾使用了激将法，称柏辽兹要是不能完成将永远不想见他。这部歌剧因过于庞大，歌剧院在当时无法演出，柏辽兹只能将其分为两部。第一部为；《特洛伊之争》(又叫《木马屠城记》)于1863年11月4日在巴黎首次公演，1890年又在卡尔斯鲁首次公演，第二部共分为三幕：

《特洛伊人在迦太基》。两部合称《特洛伊人》。剧情属于世界历史意义上的，关系到一个国家和民族的生存与毁灭，因为愚昧和神意，该城的毁灭是必然的，在此期间，人所表现出的英勇与决绝，为历史悲剧定下框架。但该剧并没止于此处，埃涅阿斯作为特洛伊城的劫难英雄，他负有创立意大利的使命，经海上漂泊来到非洲，跟狄多女王的缠绵爱情是该剧的一抹暖色。接下来，埃涅阿斯的使命不允许他停留，女王自杀，埃涅阿斯去迎接他那“英雄般的死亡”。由于篇幅，笔者无法在此把剧情一一详述，但就其本质看，这个剧，符合音乐建筑结构的所有理想条件。人物是王者、神与英雄的后代，他们所面临的是毁灭与重建、爱与责任、生离死别等等。从技术上看，这个剧古典到仿佛回归了古希腊时期。据《歌剧与观念》一书的作者说：“剧中有三分之一的分曲需要合唱队的参与·”埃涅阿斯一角，“当今世界，唯有男高音歌唱家乔恩，维克斯(加拿大)能胜任。”这是可以理解的，埃涅阿斯不但是特洛伊城的驸马，人神的后代，更是创立意大利的顶天立地的英雄，是古罗马的直系祖先，是整个西方世界的父亲。

由此笔者联想到曾经观摩过的一个建筑，可以被称作建筑方面的《特洛伊人》，这就是米兰大教堂。这个建筑的规模是绝对的，里面可以容纳四万人，基本材质是大理石，从里到外，一共有2245个雕像，上端有135个塔，中心最高塔为102米，上立一个4米多高金色圣母像。它奇迹般的承重力姑且不论，这么多附属物，居然没有使焦点散乱，均为一个主题服务；最为神奇的是，二层塔林处，所有扶壁和飞扶壁也都是大理石的，他们相互勾连，复杂而有序，只有伟大的巴洛克时期复调音乐的细密又宏大的织体才能对应上。怪不得有人称赞米兰大教堂为大理石写成的史诗、固态交响乐。

三

如前所指，结构观念是西方文化的两大构成因素之一。这个观念渗透到西方历史、社会形态和文化生活方方面面。具体到文学艺术，从古希腊时期就能涌现出几万行组成的史诗，或者人神对峙的戏剧，这是中国传统文化中欠缺的。一方面看，中西文化属性是这种不同的直接根源，另外，对事物的宏观把握也决定了方法论。就其根本，结构是由事物的性质和内容物决定的。西方的宏观巨构主要起自上述人神的对应，面临的是终极问题。了解了这个，并采用横向的、直观的阐述，对我们今后的教学将有质的帮助。

在这篇短文的最后，我衷心希望，在今后的学习与工作实践中，哪怕嘴里哼唱的是小曲，也会带出雨云的气势，因为一个有形的大厦树立在心中。

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